世田谷美術館「TSUGU つぐ ミナ ペルホネン」展へ。 完成品ではなく“プロセス”を見せる展示構成。 「つぐ」という言葉から広がる、人と人、時代と世代、ものづくりの思想。 服を着ることが、物語を共有することになる感覚について。（前編）

1920年代、衣服は女性の身体を解放した。 けれどその自由は、無数の「ひと針」の反復によって縫い留められていた。 アール・デコ展を起点に、 手仕事と制作の速度について考えた記録です。

織田コレクション「ハンス・ウェグナー展」へ。 使われるための家具は、どこから見られても美しくなければならない。 椅子を通して立ち上がる、クラフツマンシップの思想を辿ります。

東京都写真美術館「作家の現在 これまでとこれから」を鑑賞。 石内都、志賀理江子、金村修、藤岡亜弥、川田喜多治—— 写真が引き受けてきた日本の「傷」と「時間」を、5人の作家の視点から読み解く展覧会レポートを書きました。

「Love」をテーマにした日本画展。 恋人、家族、動物、故郷── 山種美術館で見たのは、大きな言葉ではなく、 日々の中にある“いとおしさ”でした。

東京ステーションギャラリーで開催中の小林徳三郎展へ。 大胆で自由に見える筆づかいの奥にある、確かなデッサンの力。 「鰯の徳さん」と呼ばれた画家の軌跡を辿る、静かで力強い展示でした。

東京都写真美術館「遠い窓」展。 写真とインスタレーションが、失われた人、時間、場所の気配をそっと浮かび上がらせる。 派手な物語ではなく、静かな不在に耳を澄ます展示体験でした。

針と糸は、祈りだけではなく「時間を刺し止める行為」でもある。 上野都美術館「刺繍―針がすくいだす世界」で出会った作品が、制作と鑑賞の感覚を静かに揺さぶりました。

2025年に訪れた展覧会を振り返り、最も印象に残った展示について記録しました。 観ることが制作に返ってくる、その感覚が少し変わった一年でした。

「同じ仕事を続けることは、自分自身の模倣になる」 柚木沙弥郎展「永遠の今」を鑑賞。 染色から版画、コラージュへと広がり続ける表現に、創作の自由さと潔さを学びました。

ゴッホ展を訪れ、先入観を外して作品そのものと向き合った体験記。厚塗りや情熱と語られがちなゴッホ像から離れ、構図力・観察力・制御する意思といった“もう一人のゴッホ”に気づいた視点を綴ります。

🔍「AIと生命の境界はどこにあるのか？」 銀座シャネル・ネクサス・ホールで開催中の 《Synthetic Natures》を鑑賞してきました。 見えない生命の痕跡をAIで可視化し、 科学・生態・工学を横断しながら“存在しない生物”の可能性を描く作品群。 個人制作では到達できないスケールと完成度に圧倒されつつ、 「アートはどこへ向かうのか」という問いが静かに浮かび上がる展覧会でした。

ブラジル出身の双子アーティスト、オスジェメオスが描く〈黄色〉とは何か。 ストリートアートの象徴を手がかりに、「肌の色」と「アイデンティティ」の境界を美術史と自身の制作から考察します。

北斎の線には、迷いのない速度と確かな生命力がありました。映画『おーい！応為』を観てから訪れたことで、作品世界がより立体的に感じられる体験に。

松濤美術館で開催中の「井上有一の書と戦後グラフィックデザイン 1970s–1980s」展。 後期展示の中心に据えられた《噫横川国民学校》は、戦争を生き延びた一人の教師が「声」を書いた痕跡でした。 今回はその作品を軸に、「書＝生の記録」としての表現を考えます。

松濤美術館で開催中の井上有一展より、《噫横川国民学校》を観ました。 空襲の記憶を刻んだ書の筆跡に、言葉を超えた叫びのような「生」が宿っていました。

ワタリウム美術館で開催中の「オスジェメオス＋バリー・マッギー One More 展」をレポート！ 壁面全体を使ったストリートアートの圧倒的な熱量を生で体感。特に印象的だった、彼らの作品に一貫する「黄色の顔」が持つ意味を深掘りしました🎨この美術鑑賞レポートの全貌はブログで。

ミケル・バルセロの陶芸展へ。現代アートの巨匠が日本の信楽焼きと出会い生まれた作品は、縄文土器のような根源的な迫力に満ちていました。

「ひび割れ展」というグループ展に行って来ました。完璧ではない、一見「欠点」に見えるものが、最も深い美しさを生み出す。今日のブログは、そんな大切な気づきについて書きました。

今回は日常から感じたことを気ままに書いてみました。 数年前に銅版画を習っていた頃の仲間が二人展を開催！そこで出会ったのは、80歳を超える店主の制作姿でした。 「続けることって、なぜこんなに難しいのに、人は『し続ける』ことができるんだろう？」 その背中から見えた、創作と人生における「継続」の意味。そして「今」という時間の尊さについて、感じたことを綴っています。