遊園地のようなワクワク感が、人形を見た瞬間ぞくりとした恐怖に変わった。エスパス ルイ・ヴィトン東京、リナ・バネルジー展レポート。表参道のエスパス ルイ・ヴィトン東京で開催中、リナ・バネルジー個展レポート。ファウンド・オブジェクトと絵画19点が生み出す圧倒的な美しさと、いまこの展覧会が持つ意味を鑑賞体験から綴ります。入場無料・9月13日まで。

河井寛次郎の技巧と色彩、濱田庄司のおおらかな造形——ふたりの陶芸を民藝館で鑑賞。土と布、陶芸と刺繍、東西の手仕事がひとつにつながる体験を後編でお届けします。民藝館という懐の広い場所。靴を脱いで上がる場所。人が育ち、生活する場所。わたしたちが心の奥底にしまったままの古い憧憬が、目を覚ます場所でした。

桜の季節にぴったりの色彩に出会いました。 ポルトガル出身の写真家テレサ・フレイタスによる写真展「Meeting Point」。 世界各地の風景が、色彩と光によって静かにつながっていく写真展の鑑賞レポートです。

4月に向けて、これから見に行きたい展覧会をまとめました。日本民藝館の民藝展、東京都美術館のスウェーデン絵画、ワタリウム美術館のジャッド展など。最近見てきたテキスタイルや手仕事の展覧会ともつながりそうで楽しみです。

沖潤子の個展「STILL」をKOSAKU KANECHIKAで鑑賞。祖母や母から受け継いだ古布に刺繍を重ね、時間と記憶を織り込む作品群。《STILL》《anthology》など新作10点から見える、静かな決意と手仕事の時間について考えました。

東京都現代美術館で開催中のTokyo Contemporary Art Award 2024–2026受賞記念展「湿地」レポート。梅田哲也と呉夏枝による共鳴するインスタレーション——足場、水音、手織りの布、断片的な語り部の声。内部と外部の境目が溶け合う空間体験を綴ります。

連休最終日、図書館で読書をして帰りにどっさり本を借りてきました。 ここ数か月、展覧会レポートを書き続けています。 調べて書くよりも、その場で感じたことや体験を書くほうが、数年後に読み返したとき情景がよみがえる。 展覧会は一回限りの鑑賞。 だからこそ、自分に寄せて書くことが大切なのだと気付きました。

東京都現代美術館「ソル・ルウィット　オープン・ストラクチャー」展レポート。25年越しの対面で気づいた、概念の底に沈む手仕事の痕跡。幾何学と温かみが共存する空間体験を綴ります。おまけとして白いベンチのお話しも。

「作品と自分をつなぐ接点が、少しずつ見つかっていった。」——YBAのムーブメントをリアルタイムでスルーしていた筆者が、30年近く経てテート美術館展へ。一週間以上言葉が出なかった展覧会について、ようやく書けました。ギルバート＆ジョージ、モナ・ハトゥム、トレイシー・エミン、ルーシー・ガニングほか7作品を軸にしたボリュームあるテキストになっています。本記事は前後編の二回に分けてお届けします。 前編では展覧会との出会いと、会場で見つけた作品との接点について。 後編では第5章以降の作品、そしてYBAという熱狂がその後何に変容したかについて綴ります。

「作品と自分をつなぐ接点が、少しずつ見つかっていった。」——YBAのムーブメントをリアルタイムでスルーしていた筆者が、30年近く経てテート美術館展へ。一週間以上言葉が出なかった展覧会について、ようやく書けました。ギルバート＆ジョージ、モナ・ハトゥム、トレイシー・エミン、ルーシー・ガニングほか7作品を軸にしたボリュームあるテキストになっています。本記事は前後編の二回に分けてお届けします。 前編では展覧会との出会いと、会場で見つけた作品との接点について。 後編では第5章以降の作品、そしてYBAという熱狂がその後何に変容したかについて綴ります。

日本橋高島屋「北欧テキスタイルと暮らし展 Beauty for All」。 天井から吊るされた大きな布の中を歩きながら、ふと思ったこと——色を選び、美しいものを身に付けるとき、自分自身がひとつの部屋であり、空間なのかもしれない、と。 服飾やテキスタイルの展覧会では、来場者の服装や小物まで洒落ていて、時代をこえて美しいものが交わる場所になっています。

パリ、目黒、ニューヨーク――三つの都市を渡りながら、岡田謙三は半世紀かけて「幽玄」と呼ばれる静謐な世界へ辿り着きました。目黒区美術館の回顧展は、作品の変遷を時系列で追える贅沢な構成。2メートルを超える晩年の大作の前に立つと、気づけば自分の呼吸が落ち着いていきます。展覧会レポート、ぜひ読んでみてください。

立ち止まらせる作品には、わからなさと美しさが同時にある。——森美術館「六本木クロッシング2025展」を鑑賞して考えたこと。

位相数学（トポロジー）を研究した数学者が、写真と墨画で「存在が成立する瞬間」を追い続けた。大西茂、1928〜1994。ニューヨーク近代美術館（MoMA）に収蔵され、ヨーロッパで個展を開きながら、日本ではほぼ無名のまま岡山で没した。東京ステーションギャラリーで開催中の日本初回顧展を訪れ、その思想と限界、そして「もし平面にこだわらなかったら」という問いを考えました。

東京オペラシティの入口に飾られた《マジシャン》1979。白いタキシード、シルクハット、一輪のバラ——これはジャー自身のポートレートです。マジック（magic）という言葉はペルシア語に遡り、「見えないものを見せ、不可能を可能にする力」を意味していました。宗教を信仰しないヒューマニストでありながら、宗教的な光と沈黙のイメージを使い続けるジャー。マジシャンが観客の「見たい」という欲望を利用するように。

アルフレド・ジャーの作品はなぜアートでなければならないのか。ジャーナリズムでも映画でも社会運動でもありえる内容を、彼はなぜ美術館に置くのか。鑑賞後に言葉を積み重ねてみると、「戦略的思想」という概念と、埋もれたままの無数の作品のことが頭に浮かんびました。

ドナルド・ジャッドの家具と版画を観ました。 構造をそのまま立ち上げる家具。 素材と色を削ぎ落としながら、強度を保つ姿勢。 ハンス・ウェグナーとの違いも含めて考えた展覧会レポートです。

瓦礫の無彩色の中で、衣服や布の色だけが鮮やかに浮かび上がっていました。 映画と写真展を通して出会った、ガザに生きた一人のフォトジャーナリストのまなざし。 破壊の中でも奪えない「色」とは何かを考えました。

3月に見ておきたい展覧会を、いまの関心から3つ選びました。 制作や展示空間と、どのように接続できるのかを意識しながら、向き合いたいと思っています。

デューラー《三大書物》展を国立西洋美術館で鑑賞。 エングレービング経験者の視点から、硬質な線の密度と「黒線のアペレス」という評価に宿る版画芸術の核心を綴りました。 線だけで世界を刻む、その凄み。