「同じ仕事を続けることは、自分自身の模倣になる」 柚木沙弥郎展「永遠の今」を鑑賞。 染色から版画、コラージュへと広がり続ける表現に、創作の自由さと潔さを学びました。

ゴッホ展を訪れ、先入観を外して作品そのものと向き合った体験記。厚塗りや情熱と語られがちなゴッホ像から離れ、構図力・観察力・制御する意思といった“もう一人のゴッホ”に気づいた視点を綴ります。

🔍「AIと生命の境界はどこにあるのか？」 銀座シャネル・ネクサス・ホールで開催中の 《Synthetic Natures》を鑑賞してきました。 見えない生命の痕跡をAIで可視化し、 科学・生態・工学を横断しながら“存在しない生物”の可能性を描く作品群。 個人制作では到達できないスケールと完成度に圧倒されつつ、 「アートはどこへ向かうのか」という問いが静かに浮かび上がる展覧会でした。

ブラジル出身の双子アーティスト、オスジェメオスが描く〈黄色〉とは何か。 ストリートアートの象徴を手がかりに、「肌の色」と「アイデンティティ」の境界を美術史と自身の制作から考察します。

北斎の線には、迷いのない速度と確かな生命力がありました。映画『おーい！応為』を観てから訪れたことで、作品世界がより立体的に感じられる体験に。

松濤美術館で開催中の「井上有一の書と戦後グラフィックデザイン 1970s–1980s」展。 後期展示の中心に据えられた《噫横川国民学校》は、戦争を生き延びた一人の教師が「声」を書いた痕跡でした。 今回はその作品を軸に、「書＝生の記録」としての表現を考えます。

松濤美術館で開催中の井上有一展より、《噫横川国民学校》を観ました。 空襲の記憶を刻んだ書の筆跡に、言葉を超えた叫びのような「生」が宿っていました。

ワタリウム美術館で開催中の「オスジェメオス＋バリー・マッギー One More 展」をレポート！ 壁面全体を使ったストリートアートの圧倒的な熱量を生で体感。特に印象的だった、彼らの作品に一貫する「黄色の顔」が持つ意味を深掘りしました🎨この美術鑑賞レポートの全貌はブログで。

ミケル・バルセロの陶芸展へ。現代アートの巨匠が日本の信楽焼きと出会い生まれた作品は、縄文土器のような根源的な迫力に満ちていました。

「ひび割れ展」というグループ展に行って来ました。完璧ではない、一見「欠点」に見えるものが、最も深い美しさを生み出す。今日のブログは、そんな大切な気づきについて書きました。

今回は日常から感じたことを気ままに書いてみました。 数年前に銅版画を習っていた頃の仲間が二人展を開催！そこで出会ったのは、80歳を超える店主の制作姿でした。 「続けることって、なぜこんなに難しいのに、人は『し続ける』ことができるんだろう？」 その背中から見えた、創作と人生における「継続」の意味。そして「今」という時間の尊さについて、感じたことを綴っています。

ミロの晩年作から見えた、技術を超えた「作家の精神性」。 現代アートが求める「速さ」に背を向け、わたしが探求するのは、「深追いしない」という能動的な創造哲学です。 「待てない焦り」から生まれた「積極的な諦め」が、アーティストの成熟と作品の奥行きにどう繋がるのか。

ルドン作品のイコンのような「原初性や中世的」な雰囲気はどこから来るのか？幼少期を遡り、ルドンのビジョンと光と影の関連を探ります。 >おまけ。パナソニック汐留美術館、大好き。他の美術館とは違う点を記します

パナソニック汐留美術館「オディオン・ルドンー光の夢、影の輝き」展を観に出掛けた日。 ルドンの赤い色とレオナルド・ダ・ヴィンチの素描の関連について考察します

パナソニック汐留美術館「オディオン・ルドンー光の夢、影の輝き」展を観に出掛けた日。 あまりに素晴らしかったので記事を何回かに分けてお届けします。

東京都現代美術館「坂本龍一 ｜音を視る 時を聴く」展に出掛けた日。

埼玉県立美術館「没後30年 木下佳通代」展に出掛けた日。

今年最後の美術鑑賞「野見山暁治展」を観に行った日。

東京オペラシティアートギャラリーに「松谷武判展」を観に行った日。

都美術館に「田中一村」展を観に行く